En la parte posterior de la Sala de la Turbina, tres personas están bailando. Sin embargo, si no fuera por la pista de baile de vinilo y la línea blanca que la separa de la audiencia, es posible que no te des cuenta de inmediato. Podrías perdonarte por pensar que estaban realizando alguna forma idiosincrática de Tai chi o, si esta fuera una pista de baile diferente, que habían tomado demasiadas drogas: uno rueda por el suelo, otro extiende sus brazos hacia afuera, un tercero se agacha y toca sus dedos de los pies. Todos parecen tan absortos por las acciones de sus propios cuerpos como para no darse cuenta ni de sus compañeros en el escenario ni de la audiencia frente a ellos.
Siendo Tate Modern un viernes por la tarde, esa audiencia incluye no solo a estudiantes de arte vestidos con la misma moda casual que los intérpretes en el escenario, sino también a bebés chillando desde los cochecitos y a traviesos escolares gritando burlas desde el entresuelo. Nada de esto parece perturbar a los bailarines. Después de completar su rutina, uno se aleja de la alfombra y desaparece por una puerta en la parte posterior de la sala. Los demás siguen a su propio ritmo, y la audiencia aplaude. Después de un breve intervalo, son reemplazados en el escenario por un nuevo trío de intérpretes, y la danza comienza de nuevo.
El Trio A de Yvonne Rainer está entre las obras de arte más influyentes que surgieron de ese período extraordinario en la historia cultural de Nueva York, desde mediados de la década de 1950 hasta mediados de la de 1970. La puesta en escena en Tate marca el 60 aniversario de su primera recital, cuando fue interpretado por Rainer (quien continúa instruyendo a nuevos bailarines en la obra) junto a David Gordon y Steve Paxton, y un momento revolucionario en la danza como forma de arte. Los motivos de esto son aburridos de describir: introdujo movimientos cotidianos en la coreografía, despojó al baile de su teatralidad tradicional, pero emocionante en la observación.
Cada actuación dura unos cinco minutos y, si te unieras a mitad de camino, podrías pensar inicialmente que los bailarines estaban improvisando, ya que cada pose sigue de forma natural a la anterior. Podría bastar con verlo por segunda vez para darse cuenta de que los bailarines no solo siguen una estricta coreografía, sino que están siguiendo la misma coreografía. Solo que, al ejecutarla a su propio ritmo, pronto se salen de sincronización. Parte de lo que hace que el Trio A sea tan fascinante de ver es que cada intérprete tiene licencia para ejecutar las poses a un ritmo que les resulte más apropiado, lo que significa que algunos sostienen la pose un poco más tiempo o se mueven más rápidamente a través de ciertas transiciones. No hay una obligación de coordinar este ritmo, y así surgen las idiosincrasias en las diferentes interpretaciones de bailarines de diferentes edades y tipos de cuerpo.
La innovación de Rainer fue eliminar el drama psicológico de la danza al insistir en que los intérpretes ignoren a la audiencia y entre ellos. Así que tienes un trío de personas actuando según un conjunto de instrucciones precisas sin beneficio para nadie más que para ellos mismos. Esta bailarina es lánguida, ese bailarín tiene energía; sus expresiones son más definidas, las suyas son más líricas. Me recuerda a aquellos retratos del siglo XVIII que representan al retratado absorto en una actividad, tocando una guitarra, por ejemplo, o leyendo un libro, en lugar de buscar la mirada del espectador. Que seamos definidos por nuestras vidas internas en lugar de por nuestra apariencia a los ojos de los demás es una idea quintessencialmente moderna. Rainer extiende ese principio a la danza. Estos bailarines no están actuando para ti, pero esto no los hace menos fascinantes de ver.
En cambio, la experiencia es hipnótica, especialmente con la ventaja de esas repetidas visualizaciones ofrecidas por la decisión de Tate de presentarla como una actuación en bucle durante varias horas cada día. La acción en la coreografía está distribuida de manera equitativa: ninguna pose tiene mayor peso que las demás, no hay sensación de que esté construyendo hacia un clímax o relajándose en pausas, no hay triunfo ni tragedia. En este sentido, recuerda a algunas de las músicas más trance de Philip Glass, otro gran artista que surgió de la escena de Nueva York de la época.
Simplemente observar a seres humanos altamente entrenados concentrándose absolutamente en la ejecución de un conjunto de instrucciones físicas, con diferentes grados de precisión o elegancia, se siente como un privilegio. Que esto esté disponible libremente para cualquiera en Londres con unos momentos de sobra, sin tener que pagar las exorbitantes tarifas de entrada que en otros lugares están transformando los museos en centros de ocio para los ricos, es algo que hay que valorar. Durante las dos horas que estoy allí, la audiencia entra y sale mientras los bailarines se mueven y cambian. Se siente apropiado para la obra que los bailarines puedan seguir con su negocio solitario, mientras el mundo gira a su alrededor.
